Ballet de la Ópera de París, Ópera Nacional de París, Francia

 

 

El Ballet de la Ópera de París es una de las compañías de danza clásica más prestigiosas y antiguas del mundo, y muchas compañías de ballet europeas e internacionales tienen sus orígenes en él. Todavía se la considera una de las cuatro compañías de ballet más destacadas del mundo, junto con el Royal Ballet de Londres, el Ballet Bolshoi de Moscú y el Ballet Mariinsky de San Petersburgo.

 

El Ballet de la Ópera de París es una compañía de ballet francesa que forma parte integral de la Ópera de París. En 1661 Luis XIV creó la Real Academia de Danza, luego en 1669 ya instancias de Jean-Baptiste Colbert, el cuerpo de baile se integró en la Real Academia de Música. Ahora es parte de la Ópera Nacional de París.

 

 

La compañía de ballet consta de 154 bailarines, entre ellos 17 Danseurs Étoiles. Los bailarines principales dan 180 espectáculos de danza cada año, principalmente en el Palais Garnier. Los departamentos de danza están ubicados en el Palais Garnier. Las clases y los ensayos suelen tener lugar allí. Si las representaciones de ballet tienen lugar en la Ópera de la Bastilla, los bailarines encuentran allí el equipamiento, los camerinos y las salas de ensayo adecuados.

 

Desde el 1 de agosto de 2016, Aurélie Dupont sucede a Benjamin Millepied como Directora de Danza de la Ópera Nacional de París. Es asistida por un Administrador de Danza, un Maestro de Ballet asociado al Departamento de Danza, tres Maestros de Ballet, dos Maestros Asistentes de Ballet, un gerente general y cinco gerentes. Siete profesores imparten las lecciones diarias que tienen lugar por la mañana. Las tardes están reservadas para ensayos que también pueden tener lugar por la noche cuando no hay espectáculo.

 

 

 

El ballet de la Ópera Nacional de París tiene su propia escuela de danza, la Escuela de Ballet de la Ópera de París, y recluta muy poco del exterior. La mayoría de los bailarines provienen de su escuela de baile, considerada una de las mejores del mundo. Sus antiguos alumnos han ganado un récord de 20 premios Benois de la Danse. La escuela celebró su tricentenario en 2013.

 

La competencia por la admisión a ambas instituciones es extremadamente feroz. Para que un bailarín ingrese al Ballet de la Ópera de París, es casi obligatorio ser admitido en la Escuela de Ballet de la Ópera de París, aprobar los exámenes competitivos anuales en mayo y asistir al menos a las dos clases finales. El 95 por ciento de los bailarines admitidos en el Ballet de la Ópera de París son franceses.

 

 

 

 

Desarrollo e influencia del ballet francés

El ballet es un género dramático cuya acción se representa mediante pantomimas y danzas. Sus orígenes se remontan al Renacimiento italiano (siglo XV). Originalmente desarrollado en las cortes de Italia, el ballet recibió sus cartas de nobleza en Francia, luego en Rusia, como un espectáculo de danza.

 

En el siglo XVII, el importante desarrollo experimentado por el ballet en la corte de Luis XIV explica el origen francés de la mayoría de los términos del vocabulario de la danza. Dependiendo de las épocas, países y corrientes, el espectáculo coreográfico puede integrar música, canto, texto, decorados, incluso maquinaria.

 

 

El Ballet comique de la reine, con coreografía de Balthazar de Beaujoyeulx, se representó en París en 1581, el mismo año en que apareció en Italia Il Ballarino, un tratado sobre la técnica de la danza cortesana de Fabritio Caroso. Aunque el Ballet comique de la reine no fue el primer ballet de este tipo, su actuación coincidió con la publicación del tratado establecido en Italia, entonces el centro del desarrollo técnico del ballet.

 

El ballet de la corte francesa, tanto instrumental como vocal, fue contemporáneo de los primeros intentos de monodia dramática en Florencia (los «interludios» a fines del siglo XVI). Los ballets-ópera y las comedias-ballet de Lully y Molière surgen de la tradición del ballet cortesano.

 

En Francia, el ballet fue aclamado como un arte por derecho propio en la corte del rey Luis XIV, quien era un apasionado de la danza y estaba decidido a revertir el declive de este arte, que comenzó durante el siglo XVII. Luis XIV creó la Real Academia de Danza en 1661, luego en 1669, la Real Academia de Música. Así sería el nacimiento de la prestigiosa compañía conocida hoy como el Ballet de l’Opéra national de Paris. En 1681, en El triunfo del amor de Jean-Baptiste Lully, Mademoiselle de La Fontaine es la primera bailarina profesional allí. Pierre Beauchamp, bailarín y coreógrafo de la corte, codificó las cinco posiciones clásicas e ideó un sistema de notación de danza.

 

 

El siglo XVIII vio una profunda evolución en los estándares y la técnica del ballet y se posicionó como una forma de espectáculo artístico junto a la ópera. La obra de Jean-Georges Noverre y sus Lettres sur la danse (1760) no son ajenas a la evolución hacia el ballet d’action (o ballet-pantomima), en el que los movimientos del bailarín expresan los sentimientos del personaje que es destinado a representar y ayudar en la comprensión de la historia. El primer ballet de acción del repertorio será el Don Juan (1761) de Gluck, escrito según las instrucciones de Noverre. Esta gran obra es antepasada directa de los grandes ballets de los siglos XIX y XX.

 

En ese momento, las mujeres, cargadas como estaban de cestas, corsés, pelucas y otros tacones altos, jugaban un papel secundario (mientras que en la actualidad predominan). El ballet intercalar, inserto en una ópera, se convirtió entonces en una característica específica de la ópera francesa. Esto se puede ver asistiendo a representaciones de las tragedias líricas de Lully y Rameau. La reforma de Noverre (ballet de acción) y la de Gluck también conservan esta práctica.

 

 

El ballet moderno comprende una sucesión de episodios que se suceden de manera continua. Este tipo de ballet se desarrolló a principios del siglo XIX en un escenario autónomo. Y las concepciones wagnerianas, ilustradas por su interpretación de Tannhäuser en 1861 en la Ópera de París, dejarán obsoleta la práctica del ballet intercalar en la Gran Ópera.

 

Heredera de la «bella danza» practicada en Europa occidental desde el siglo XVII, la danza clásica tiene como principios fundacionales el «afuera», las cinco posiciones de referencia, el aplomo, el rigor y la pulcritud. Su tecnicismo ha seguido desarrollándose desde la Royal Academy of Dance y su vocabulario se ha enriquecido constantemente, siempre en francés.

 

En 1832, Marie Taglioni bailó en la Ópera de París el ballet La Sylphide coreografiado por su padre Filippo Taglioni, donde aparecen tanto el tutú romántico como la técnica de las puntas. Fue en ese momento que el tutú hizo su aparición y destapó por completo la pierna de la bailarina.

 

 

Con La Sylphide se produce un gran punto de inflexión: el ideal romántico invade el escenario y la danza se vuelve aireada, precisa, elaborada y esencialmente femenina. Esta impresión de ligereza proviene del uso de zapatillas de ballet denominadas «pointes» (utilizadas por primera vez en 1801) y cuya puntera reforzada permite a la bailarina ponerse de puntillas. Ella está entonces en el centro de todos los ballets románticos, los compañeros masculinos sirven más como «adoptores» y «portadores» de la bailarina. El aplomo, el paso a dos y la elevación simbolizan las nuevas cualidades técnicas, así como la calidad y el rigor de un cuerpo de baile que apoya a los solistas.

 

Después de 1850, el entusiasmo por el ballet comenzó a decaer en París, pero floreció en Dinamarca y Rusia gracias a maestros de ballet y coreógrafos como Auguste Bournonville, Jules Perrot, Arthur Saint-Léon, Enrico Cecchetti y Marius Petipa. El orientalismo se puso de moda a finales del siglo XIX.

 

Si bien Francia contribuyó al auge del ballet en sus inicios, otros países, particularmente Rusia, adoptaron esta nueva forma de arte. Fue Marius Petipa, un francés que pasó la mayor parte de su vida en Rusia, que es uno de los grandes exploradores de la técnica clásica. Petipa es sobre todo famoso por sus coreografías de ballet y nos dejó muchas obras maestras como El lago de los cisnes, del folclore europeo a la música de Piotr Ilyich Tchaikovsky, Don Quijote, La bella durmiente o Casse-Hazelnut, que son el fundamento y la base de la danza clásica tal como es. es hoy.

 

La palabra «clásica» hizo su aparición con los Ballets Russes (1910) y nunca abandonó la danza. Marius Petipa apeló al entusiasmo popular al producir también La Fille du pharaon en 1862, luego La Bayadère (1877) y Le Talisman (1889). El colonialismo trae entonces el conocimiento de las culturas asiática y africana, pero lo distorsiona con desinformación y mucha fantasía. Oriente se percibe entonces como decadente. Sin embargo, es el momento de la constitución de grandes colecciones privadas occidentales sobre estas culturas.

 

 

Serge de Diaghilev revivió el interés público por el ballet cuando fundó su compañía Ballets Russes. Está formado por bailarines de la comunidad de rusos exiliados en París tras la Revolución de 1917. Diaghilev y Stravinsky unieron sus talentos para dar vida al folclore ruso a través de El pájaro de fuego y Petrushka. Surgió una controversia por La consagración de la primavera, que ofendió a los estadounidenses. Este párrafo requiere una referencia.

 

Michel Fokine comenzó su carrera como bailarín y coreógrafo en San Petersburgo mientras decaía la de Petipa. Fokine se fue de Rusia a París, donde trabajó con Diaghilev y sus Ballets Russes. En Francia, con Serge Lifar, y en Estados Unidos, con George Balanchine, creador del New York City Ballet y fundador del Método Balanchine, el ballet se renueva dando lugar al estilo neoclásico.

 

Los Ballets Russes continuaron desarrollándose bajo el régimen soviético. Poco talento quedó después de la Revolución, pero suficiente para formar una nueva generación de bailarines y coreógrafos que irían a escena a mediados de la década de 1930. La perfección técnica y la precisión son demandadas por Agrippina Vaganova, directora de la escuela de danza del Teatro Mariinsky.

 

El ballet fue y sigue siendo muy popular en Rusia. Las compañías del Kirov (actualmente Teatro Mariinsky) y la del Teatro Bolshoi son muy populares. La ideología de la época obligó a las dos compañías a programar piezas imbuidas del realismo socialista soviético, la mayoría de las cuales fueron poco apreciadas y luego eliminadas del repertorio. Sin embargo, algunos ballets son notables como Romeo y Julieta de Sergei Prokofiev.

 

Flammes de Paris (1932) hace un amplio uso del cuerpo de baile y requiere un virtuosismo asombroso en su ejecución. The Bakhchisarai Fountain (1933), una versión danzaria del poema de Alexander Pushkin con coreografía de Rostislav Zakharov y música de Boris Assafiev, es un éxito innegable y fue interpretada por primera vez en los Estados Unidos por Kirov en su gira de 1999. Cenicienta es también una producción de los Ballets Soviéticos. Estas monedas eran poco conocidas en Occidente antes del colapso de la URSS.

 

 

Historia del Ballet de la Ópera de París

El Ballet de la Ópera de París siempre ha sido una parte integral de la Ópera de París, que fue fundada en 1669 como la Académie d’Opéra (Academia de Ópera), aunque la danza teatral no se convirtió en un componente importante de la Ópera de París hasta 1673, después de que pasó a llamarse Académie Royale de Musique (Academia Real de Música) y se colocó bajo la dirección de Jean-Baptiste Lully. La Ópera de París ha tenido muchos nombres oficiales diferentes durante su larga historia, pero desde 1994 se llama Opéra National de Paris (Ópera Nacional de París).

 

El Ballet de la Ópera de París tuvo sus orígenes en las instituciones, tradiciones y prácticas de danza anteriores de la corte de Luis XIV. De particular importancia fueron las series de comedias-ballets creadas por Molière con, entre otros, los coreógrafos y compositores Pierre Beauchamps y Jean-Baptiste Lully. El primero fue Les Fâcheux en 1661 y el más importante, Le Bourgeois gentilhomme en 1670. Muchos de estos también fueron interpretados por la compañía de Molière en el público Théâtre du Palais-Royal de París, que más tarde se convertiría en la primera sede permanente de la ópera. compañía y el ballet de la ópera.

 

También en 1661, Luis XIV había fundado la Académie Royale de Danse (Real Academia de Danza) en un esfuerzo por «mejorar la calidad de la instrucción de danza para los entretenimientos de la corte». Los miembros de la academia, así como los profesores de danza certificados por ella y sus alumnos, participaron en la creación de los ballets para la corte, Molière y posteriormente la ópera. En 1680, Beauchamps se convirtió en canciller (director) de la Académie Royale de Danse. Aunque la Académie Royale de Danse y la Opera estaban estrechamente conectadas, las dos instituciones permanecieron separadas y la primera desapareció con la caída de la monarquía en 1789.

 

La Escuela de la Real Academia de Danza fue fundada en 1713. Es la escuela de danza más antigua del mundo occidental pero también la cuna de la danza clásica académica a nivel mundial. Los dos siglos que siguieron a su creación vieron al ballet de la Ópera cambiar de ubicación once veces.

 

Inicialmente, una gran compañía, exclusivamente masculina hasta 1681, bailaba en los entretenimientos e interludios de las óperas. En 1776, Jean-Georges Noverre, entonces los hermanos Maximilien y Pierre Gardel, impusieron allí el ballet de acción, que ya florecía en otros escenarios franceses.

 

Desde 1875, el Ballet de la Ópera tiene su sede en el Palais Garnier. La escuela de ballet ahora se llama «la escuela de danza de la Ópera de París» y se mudó a Nanterre en 1987 cerca del parque André-Malraux, a diez kilómetros del Palais Garnier.

 

Poco a poco el ballet se fue liberando de la ópera y, a principios del siglo XIX, se fue construyendo un repertorio de puras obras coreográficas, hasta la apoteosis del ballet romántico. Aquí es donde se crearon las grandes obras clásicas, como La Sylphide (1832), Giselle (1841), Paquita (1846), Le Corsaire (1865) o Coppélia (1870).

 

 

A finales del siglo XIX, el centro europeo de la danza ya no era París sino que se trasladaba a San Petersburgo, bajo la dirección de Marius Petipa. La mayoría de los grandes bailarines de la Ópera de París han ganado Rusia y el ballet de la Ópera convoca principalmente a bailarines italianos formados en la escuela de Carlo Blasis y Enrico Cecchetti, como Aïda Boni, Pierina Legnani, Rita Sangalli o Carlotta Zambelli.

 

En el siglo XX, el renacimiento fue iniciado por los Ballets Russes de Serge de Diaghilev, que presentaron seis de sus temporadas en la Ópera de París. Serge Lifar amplifica el movimiento de renovación, al que contribuyen George Balanchine y George Skibine.

 

A partir de la década de 1970, el ballet se impuso una doble vocación: mantener la tradición y abrirse a la modernidad. Así es como, junto a reconstrucciones de obras del siglo XVIII (de Ivo Cramer o Francine Lancelot) y piezas del repertorio romántico (Petipa y Nijinski revisitadas por Nureyev), el ballet se acerca al repertorio contemporáneo invitando a coreógrafas como Carolyn Carlson, Merce Cunningham , Maguy Marin, Angelin Preljocaj, Dominique Bagouet o Pina Bausch.

 

A lo largo de la década de 1980, la historia de la compañía estuvo marcada por la figura de Rudolf Nureyev, que ocupó el cargo de director de danza de 1983 a 1989. Rudolf Nureyev supo construir un repertorio de ballets clásicos que aún hoy constituye el corazón del repertorio de la compañía. , asegurando tanto una parte importante de las representaciones como sus mayores éxitos de público.

 

Fue otro bailarín estrella el que sucedió a Nureyev en 1990: Patrick Dupond, a diferencia del bailarín ruso, provenía de la compañía y no tenía derecho a la coreografía. Su mandato terminó a principios de 1994.

 

En 1995, Brigitte Lefèvre se convirtió en directora de danza al frente del ballet de la Ópera Nacional de París. Sigue una política de apertura que se traduce en actuaciones de grandes coreógrafos invitados, incluidos William Forsythe, Pierre Lacotte y John Neumeier.

 

Septiembre de 2004, Gérard Mortier releva a Hugues Gall como director de la Ópera Nacional de París hasta 2010, cuando se incorpora al Teatro Real de Madrid. Bajo su liderazgo, se nombraron nueve bailarines estrella, algunos de los cuales eran relativamente mayores para la profesión, Wilfried Romoli, Delphine Moussin y en 2009 Isabelle Ciaravola.

 

Después de un breve período con Benjamin Millepied como director de danza de noviembre de 2014 a julio de 2015, es Aurélie Dupont, la ex estrella y gran dama del ballet de la Ópera Nacional de París quien asume la dirección.

 

Jerarquía de bailarines

A partir de 2021, el ballet cuenta con 154 bailarines, incluidas 16 estrellas y 12 primeros bailarines, casi todos de la escuela de danza de la Ópera. Entran por concurso anual y terminan su carrera a los 42 y medio.

 

Desde la entrada en el cuerpo de baile hasta la consagración, el Ballet de la Ópera ha establecido una jerarquía inmutable entre los bailarines:

5to nivel: cuadrilla

4to nivel: corifeo

3er nivel: sujeto

2do nivel: primer bailarín

1er nivel: estrella

 

La jerarquía del Ballet de la Ópera de París es muy estricta. Para un bailarín, es prácticamente obligatorio ingresar primero a la Escuela de Ballet de la Ópera de París. Más del 90 por ciento de los candidatos no aprueban el examen de ingreso a la Escuela de Ballet, y el 20 por ciento de sus alumnos tienen que irse al final del año después de reprobar los exámenes competitivos anuales («les concours annuels») en mayo. Solo del 5 al 20 por ciento de los graduados de la Escuela de Ballet son aceptados en el Ballet de la Ópera de París, inicialmente como bailarines en prueba (los «stagiaires»).

 

Los niveles 3 a 5 juntos forman el «cuerpo de baile». La promoción al siguiente grado se realiza a través de un concurso de promoción interna, cuyo jurado está compuesto por miembros de la dirección de la Ópera, bailarines del ballet de la Ópera de París y personalidades externas del mundo de la danza. Esta competencia se lleva a cabo todos los años en noviembre.

 

Solo las estrellas no provienen de este sistema: la nominación de un primer bailarín (más raramente un tema) como estrella lo decide el director de la Ópera Nacional de París a propuesta del director de danza después de una actuación. El procedimiento de nombramiento ha variado con el tiempo; desde 2004, se realiza frente al público.

 

Escuela de Danza de la Ópera de París

La escuela de danza Opéra national de Paris forma a los futuros bailarines de ballet de la Opéra national de Paris, una de las compañías de danza clásica más prestigiosas del mundo. Fundada en 1713 por Luis XIV, la escuela ahora se considera la mejor del mundo. Esta escuela de danza se ha convertido en un pasaje casi obligado para evolucionar entre las estrellas del ballet de la Ópera Nacional de París.

 

La Escuela se ubicó primero en la rue Saint-Nicaise, luego en el Palais Garnier (1875). En 1983, Claude Bessy recibió el apoyo de Jack Lang, entonces Ministro de Cultura, para la construcción de un edificio independiente para la Escuela. Tras un concurso de arquitectura organizado en 1983, Christian de Portzamparc se adjudicó el proyecto. La Escuela se trasladó en 1987 a este nuevo edificio situado en Nanterre, cerca del Parc André-Malraux.

 

Tradicionalmente, los estudiantes se dividen en seis divisiones. Estas divisiones representan el progreso de los estudios. Un alumno comienza así su primer año en la 6ª división y 

completa su formación en la 1ª división. De 1970 a 2001, Gilbert Mayer, considerado el dios de la pedagogía, fue profesor del corps du ballet de la Ópera de París y de la École de danse en una doble función.

 

La docencia es multidisciplinar. Incluye, además de clases de danza variada (clásica, de carácter, contemporánea, jazz, folclórica y barroca), clases complementarias de música, mimo, comedia, derecho del espectáculo, historia de la danza e incluso anatomía o gimnasia. La mayoría de estos cursos y eventos son creados por Claude Bessy en los años 80. Desde 1995 las clases escolares también son obligatorias para todos los alumnos hasta el bachillerato.

 

En 1987, la Escuela de Ballet de la Ópera de París se mudó del Palais Garnier (donde tienen lugar la mayoría de los ballets de la Ópera de París) a un nuevo edificio ubicado a 10 kilómetros al oeste del centro de París, en Nanterre. El nuevo edificio de la escuela de danza fue diseñado por Christian de Portzamparc. Desde 1995, la Escuela de Ballet de la Ópera de París es un internado. Hoy en día, desde las 8.00 hasta las 12.00 horas, todos los alumnos asisten a las clases escolares que conducen a la obtención del baccalauréat francés (el bac), la calificación general para el acceso a la universidad en Francia.

 

La selección es muy rigurosa. Para que un joven bailarín ingrese a la escuela, primero debe ser elegido como uno de 30 a 40 estudiantes aprobados de 400 niñas y 150 niños. Para ello, el candidato debe aprobar dos exámenes de ingreso: un examen físico y un examen de baile.

 

Los criterios del examen físico requieren que la altura y el peso de los candidatos varíen cada uno entre dos valores determinados. Así nos aseguramos de que las proporciones del candidato sean buenas y tratamos de ver si seguirá desarrollándose en esta dirección físicamente. A continuación, el alumno seleccionado se somete continuamente a diversas evaluaciones. Cada división culmina en una competencia anual que se lleva a cabo al final del año escolar en mayo.

 

Finalmente, al final de sus estudios, los alumnos ven sancionado su aprendizaje por el concurso de ingreso al cuerpo de baile. los mejores de ellos se unen al ballet de la Ópera Nacional de París como aprendices de cuadrillas. En caso de suspenso en este examen final, sólo se autoriza la repetición de curso cuando el alumno en cuestión sea menor de 18 años. Los ganadores de la primera división reciben el Diploma Nacional de Bailarín Profesional Superior.

 

Entre los bailarines del Ballet de la Ópera de París, el 95 por ciento ha asistido a la Escuela de Ballet de la Ópera de París. Para describirlo de otra manera, para que un joven bailarín sea aceptado en el cuerpo de baile de la Ópera de París, es prácticamente obligatorio ingresar a la Escuela de Ballet de la Ópera de París y asistir al menos a las dos últimas clases (división deuxième et première). Más del 90 por ciento de los candidatos no aprueban el examen de ingreso. Incluso algunos de los bailarines que luego se convirtieron en premiers danseurs (primeros solistas) o danseurs étoiles (bailarines principales) del Ballet de la Ópera de París aprobaron el examen de ingreso solo en el segundo intento, o fueron aceptados solo como alumnos de pago.

 

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BREVE
Sus orígenes pueden ser rastreados hasta 1661 con la fundación de la Académie Royale de Danse (Academia Real de Danza) y la Escuela de Danza de la Ópera (1713) por Luis XIV de Francia. Como parte del Théâtre National de l'Opéra, la compañía dominó la danza teatral del siglo XVIII y el inicio del siglo XIX. Sus artistas desarrollaron técnicas de ballet clásico. Pierre Beauchamp, el primer directo de la compañía, codificó las cinco posiciones básicas del ballet, y los virtuosos Jean Balón, Louis Duport, Marie Camargo y Gaetano y Auguste Vestris extendieron el rango de los pasos de baile, especialmente los saltos y brincos.

En 1832 la compañía abrió la era del ballet romántico presentando La Sylphide de Filippo Taglioni. Entre los bailarines de la compañía de este periodo estaban Jules Perrot, Arthur Saint-Léon, Fanny Elssler y Carlotta Grisi, que creó el rol titular de Giselle en la Ópera de París en 1841.

La decadencia de la compañía a fines del siglo XIX fue detenida por Jacques Rouché, director de la Ópera de París y de la Opéra-Comique entre 1914 y 1944. Después de las exitosas producciones de vanguardia de los Ballets Rusos de Sergei Diaghilev, Rouché contrató a los artistas estrellas rusos Michel Fokine, Anna Pávlova y Bronislawa Nijinska y en 1930 nombró a Serge Lifar director de la compañía. Entre los principales bailarines al mando de Lifar estuvieron Yvette Chauviré, Solange Schwarz, Marjorie Tallchief, Michel Renault y George Skibine.

 

 

 

 

 

 

 

 

Pierre Beaucham

 

Pierre Beauchamp (también Beauchamps, a veces erróneamente llamado Charles-Louis Beauchamp) (París, 30 de octubre de 1636 — París, febrero de 1705), fue un coreógrafo y bailarín francés, probablemente el inventor de la notación Beauchamp-Feuillet.

Fue nombrado director de la «Académie Royale de Danse» en 1671 (aunque no era un miembro fundador de la Academia como con frecuencia se afirma). Fue el coreógrafo principal de la compañía de Molière (la «Troupe du Roy») durante 1664-73; además fue maestro de ballet en la «Académie Royale de Musique» y «Compositeur des Ballets du Roi». En estos puestos fue muy influyente y una de las más grandes figuras de la «belle danse» francesa del siglo XVII, la danza barroca.

Perteneciente a una familia de «maîtres de danse», Beauchamp debutó en la corte de Luis XIV en 1648, en el Ballet du dérèglement des passions. Colaboró a continuación con Jean-Baptiste Lully y Molière e inventó con ellos la «comédie-ballet» de la que la mejor ilustración es Le Bourgeois gentilhomme (1670). Compuso también las danzas de las principales operas de Robert Cambert y Pierre Perrin para la Académie royale de Musique, de la que fue el primer «maître de ballet».

A la muerte de Lully (1687), trabajó esencialmente para los colegios de los Jesuitas. Formó a numerosos bailarines, como Blondy, Favier y Pécour, y puso a punto un sistema de escritura de la danza que su discípulo Feuillet publicará bajo su propio nombre en 1700.

Escrito algunos años después de los hechos, Pierre Rameau concede a Beauchamp el crédito de la codificación de las cinco posiciones clásicas de los pies,1 así como un papel en el desarrollo de la utilización de los brazos2 (nota, sin embargo, que, a diferencia de las posiciones de los pies, el uso de las brazos en la danza barroca difiere significativamente de su utilización en el ballet). Rameau también afirma que Beauchamp dio clases de baile a Luis XIV durante más de veintidós años.3

Dos coreografías sobreviven en copias manuscritas que son atribuidas a Beauchamp: el dúo de baile «Rigaudons de mr bauchand», y el solo teatral para un hombre en solitario «Sarabande de Mr. de Beauchamp». La sarabanda es inusual entre los solos supervivientes para varón, porque a pesar de que requiere un virtuoso de la técnica, con sus «pirouettes» y muchos pasos ornamentados, no tiene pasos aéreos.

 

 

MOLIERE

 

(MOLIERE) Jean-Baptiste Poquelin (París; 15 de enero de 1622-ibidem; 17 de febrero de 1673),1 llamado Molière, fue un dramaturgo, actor y poeta francés, ampliamente considerado como uno de los mejores escritores de la lengua francesa y la literatura universal. Sus trabajos existentes incluyen comedias, farsas, tragicomedias, comédie-ballets y más. Sus obras se han traducido a todas las lenguas vivas principales. Considerado el padre de la Comédie Française, sus trabajos se interpretan con más frecuencia que los de cualquier otro dramaturgo actual.[cita requerida]

 

Despiadado con la pedantería de los falsos sabios, la mentira de los médicos ignorantes, la pretenciosidad de los burgueses enriquecidos, Molière exalta la juventud, a la que quiere liberar de restricciones absurdas. Muy alejado de la devoción o del ascetismo, su papel de moralista termina en el mismo lugar en el que él lo definió: «No sé si no es mejor trabajar en rectificar y suavizar las pasiones humanas que pretender eliminarlas por completo», y su principal objetivo fue el de «hacer reír a la gente honrada». Puede decirse, por tanto, que hizo suya la divisa que aparecía sobre los teatritos ambulantes italianos a partir de los años 1620 en Francia, con respecto a la comedia: Castigat ridendo mores, «Corrige las costumbres riendo», tomada del poeta neolatino francés Jean de Santeul (1630-1697).